A-FRAME

Genesi

Questo ottobre sta portando con sé i frutti di due lunghi percorsi creativi: la realizzazione di A-FRAME, iniziata nel 2019 con la registrazione di Hands Shaking, il primo brano dell’album, e quattro anni di ricerca sonora che hanno dato vita al progetto SONA. Dieci brani accompagnati da quattro cortometraggi che ho realizzato nel corso di questi anni. A-FRAME è un album nato da frammenti di vita, da incontri, luoghi e momenti che hanno lasciato tracce profonde dentro di me.
Da molti anni attraverso luoghi e culture diverse, cercando di comprenderne le tradizioni, la spiritualità e i differenti modi di interpretare l’esistenza. Una ricerca che continua a trasformare il mio modo di vedere e comprendere la vita.
L’album A-FRAME è stato registrato in diverse parti del mondo, oltre che nel mio studio a Valdobbiadene. Dal Ladakh, nell’Himalaya, a Bhaktapur, in Nepal, dalle rive del Gange a Rishikesh fino al centro-sud dell’India, dal nord della Thailandia allo Sri Lanka, dai Paesi Baschi a Vienna, fino alle acque dell’oasi di Siwa, nel deserto egiziano. Luoghi lontani tra loro, ognuno dei quali ha lasciato una traccia nella musica di questo album.
Registrare in questi luoghi significa per me raccogliere qualcosa che va oltre il suono. È un modo per conservare le sensazioni di un momento, l’atmosfera di un luogo, le emozioni di un incontro, e lasciare che tutto questo diventi parte della musica.
Il linguaggio cinematografico è per me un territorio ancora relativamente nuovo, ma che sto scoprendo con grande interesse. I miei quattro cortometraggi sono produzioni indipendenti, realizzate con pochi mezzi, ma con immagini raccolte personalmente durante i miei viaggi, dalle riprese con il drone nell’Himalaya e sulle Alpi, alle scogliere di Jaizkibel, nei Paesi Baschi, fino alle fotografie scattate a Isfahan, in Iran. Non ho utilizzato l’intelligenza artificiale nella realizzazione dei cortometraggi, né nelle mie composizioni musicali. Anzi, in A-FRAME ho scelto consapevolmente di andare nella direzione opposta, privilegiando un processo creativo interamente manuale e artigianale. Utilizzo invece l’intelligenza artificiale come strumento di supporto nella preparazione dei materiali di comunicazione e promozione. Soltanto in Iran Iran ho utilizzato un software per le transizioni tra una fotografia e l’altra.
In questo album canto in diverse lingue, spesso anche nel mio dialetto dell’Alto Veneto, con il desiderio di conservare qualcosa delle nostre origini. Ogni lingua, ogni dialetto custodisce un modo particolare di pensare, di sentire e di interpretare l’esistenza. Quando una lingua scompare, con essa perdiamo anche una parte della ricchezza del pensiero umano.
In questo lungo percorso ho avuto la fortuna di condividere la creazione dell’album con persone che hanno contribuito alla sua realizzazione e che desidero ringraziare. Beppe Piol (Bhasmantan), per la chitarra in Iran Iran e per la traccia di base di No Pares de Crear; Angela Zanin, per i cori; Roberto Zancaner, per il basso in No Pares de Crear e per essere al mio fianco nella performance dal vivo di A-FRAME; Ralph Rosolen, per alcuni interventi alle tastiere in No Pares de Crear; Riccardo Dalla Vedova, per il mixaggio delle voci in No More Piss on Earth; Sebastian Meyer, il grande Sebastian, insieme al quale ho creato No More Piss on Earth e realizzato il lavoro di mixaggio e mastering dell’album a Vienna. Abbiamo trascorso diversi giorni immersi in un processo creativo che ricordo come meraviglioso. Un ringraziamento speciale a Mirko Brigante, che ha ispirato la nascita della performance A-FRAME.
Considero un privilegio aver incontrato, nei progetti che realizzo, persone con le quali sento una profonda affinità. Persone con cui il lavoro diventa qualcosa che va oltre la collaborazione artistica, in un ambiente familiare, fatto di stima, fiducia e affetto reciproco.

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A-FRAME

Il cortometraggio A-FRAME nasce dal brano omonimo, che ho composto e registrato nell’oasi di Siwa, nel deserto egiziano, dopo un lungo lavoro di ricerca e registrazione sonora dedicato al progetto SONA. In quel luogo ho trascorso molto tempo ad ascoltare l’acqua, ritrovandomi in profonda comunione con la sua essenza.
L’ispirazione è arrivata così, come tutte le ispirazioni, dalla magia di quel mistero che attraversa ogni istante e ogni piega della nostra esistenza.
L’acqua è diventata il centro di questo racconto. Ho immaginato l’essere umano nella solitudine di un oceano, una solitudine che non significa necessariamente abbandono, ma consapevolezza della propria esistenza.
Tutto è concatenato. Siamo tutti profondamente legati gli uni agli altri. Ognuno di noi è responsabile delle proprie azioni, ma ogni nostra scelta si riflette inevitabilmente anche sulla vita e sul destino degli altri.
L’acqua, per me, è la sorgente, la sostanza generatrice. Non muore mai, si trasforma continuamente, proprio come l’essere umano.
Credo nell’infinita trasformazione dell’anima e del corpo. Il corpo diventa polvere, diventa acqua, diventa fiori, ritorna alla natura, rimane dentro questa Terra, dentro la sfera celeste di cui facciamo parte. In questa sfera tutto respira, tutto si trasforma. Ci respiriamo a vicenda, condividendo la stessa materia, la stessa aria, le vite di chi è venuto prima di noi. La loro presenza continua a vivere in noi, nell’aria che respiriamo ed in un chicco di grano.
Siamo tutt’uno.

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Hands Shaking

Hands Shaking è il primo brano che ho composto per questo album, nato durante i miei viaggi tra il nord della Thailandia e l’India. Il cortometraggio è nato dalle riprese che ho realizzato nel Ladakh, sull’Himalaya, dove ho cercato di raccontare attraverso la roccia e l’acqua il continuo processo di trasformazione dell’esistenza. L’acqua scende dalle montagne, attraversa la valle dell’Indo e porta con sé la conoscenza, fino alle grandi pianure del mondo. Durante un’esperienza di profonda immersione interiore, ho avuto una visione che mi ha portato a introdurre nel racconto i ritratti del Fayum, antichi volti che sembrano custodire qualcosa di profondamente umano, al di là del tempo. Ho scelto alcune persone per la loro somiglianza con quei ritratti e, insieme ad Aldo Rebuli, abbiamo riprodotto sulla loro pelle la texture pittorica degli antichi dipinti, filmando successivamente queste immagini nel mio studio. Nel cortometraggio i volti prendono vita, per poi lentamente dissolversi e ritornare alla roccia, alla materia dalla quale tutto proviene. È una riflessione sulla nascita, sulla conoscenza, sulla morte e sulla rinascita. Sul nostro continuo trasformarci e sulla possibilità di affidarci al mistero dell’esistenza, accettando di essere parte di qualcosa che ci precede e che continuerà oltre di noi.

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No Pares de Crear

No Pares de Crear nasce da due doni che ho ricevuto in momenti diversi. Un giorno Lydia Larreguy, una amica basca che amo profondamente, è venuta a trovarmi a casa e mi ha regalato un piccolo biglietto sul quale aveva scritto, nella sua lingua, alcune parole dedicate a me. Me ne ha spiegato il significato e sono rimasto profondamente colpito dalla bellezza di quel pensiero. Qualche tempo dopo, il mio grande amico Beppe Piol mi ha fatto ascoltare una base musicale che aveva composto. Mi è piaciuta immediatamente e gli ho chiesto se potevo utilizzarla per sviluppare un nuovo brano. Nel momento stesso in cui gliel’ho chiesto, sapevo già quali parole avrei cantato: quelle che Lydia mi aveva donato. Da quell’incontro tra parole e musica è nato un brano che intreccia lingue e sensibilità diverse, dal basco allo spagnolo, fino al mio dialetto veneto. Una composizione dalle atmosfere morbide e sognanti, nella quale ho cercato di conservare la dolcezza di quel gesto e il significato profondo delle parole ricevute. No Pares de Crear, non smettere di creare. Un invito a custodire la propria capacità di immaginare, di esprimersi e di continuare a trasformare la vita attraverso la creatività.

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LÀ MI DÒ

LÀ MI DÒ è nato nel mio studio a Valdobbiadene, da un piccolo loop ritmico che avevo scovato quasi per caso. Come spesso accade nelle mie composizioni, tutto è cominciato da un frammento sonoro, qualcosa di apparentemente insignificante che, poco alla volta, ha iniziato a prendere forma. Questa volta il brano si è sviluppato molto velocemente. Durante la composizione ho cominciato a giocare con le sette note musicali, scoprendo che, accostandole in modi diversi, potevano trasformarsi in parole e frasi dal significato sorprendente. Mi sono divertito moltissimo con questo gioco, che trovavo tanto semplice quanto geniale. Sol mi do, re mi fa. Il sole mi dà, il sole mi fa re. Il sole mi dà la vita, e in questo senso mi fa re, perché mi offre la ricchezza più grande che possa immaginare: l’esperienza dell’esistenza stessa. Nel brano canto anche: «Non ho nessuna certezza, ho molto di più». È una frase nella quale riconosco profondamente il mio modo di sentire. Attraverso il sole, la terra, l’acqua, l’aria, attraverso gli stessi elementi di cui sono fatto, percepisco la presenza di un mistero immenso e meraviglioso. Non sento il bisogno di possedere certezze di fronte a questo mistero. La possibilità stessa di percepirlo, di esserne parte, è per me qualcosa di infinitamente più grande.

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No More Piss on Earth

No More Piss on Earth è stato forse il brano più travagliato dell’intero album. L’ho scritto quando è morto mio padre, in un momento in cui al dolore personale si accompagnava una profonda rabbia per ciò che l’essere umano continua a infliggere al nostro pianeta. Le guerre, la distruzione, le ferite inferte alla Terra, l’assurdità di un’umanità che avrebbe tutte le possibilità di vivere in pace e che invece sembra incapace di farlo. Mi divertiva il gioco di parole del titolo, ma musicalmente non riuscivo a trovare una forma che mi convincesse. Il brano ha attraversato diverse trasformazioni, passando anche attraverso una versione decisamente techno-rock. L’ho ripreso, modificato e mixato più volte, senza riuscire mai a considerarlo veramente concluso. Era come se continuasse a sfuggirmi. Quando sono arrivato a Vienna per il mixaggio dell’album, ho chiesto a Sebastian Meyer di lavorarci insieme. Sebastian ha rielaborato la base musicale, portandola verso sonorità krautrock, e io ho deciso di registrare nuovamente la voce. Nelle prime versioni cantavo con una rabbia quasi da comizio, come se stessi arringando una folla. Questa volta ho cercato invece una dimensione più teatrale, lasciando entrare nel canto anche una certa ironia. Il testo si apre con una celebre domanda di Bob Dylan: «How many roads must a man walk down before you call him a man?». Da lì proseguo per la mia strada, ispirato da quella stessa interrogazione sull’essere umano, sulle sue contraddizioni e sulla sua ostinata incapacità di imparare. In fondo, anche davanti al dolore e alle assurdità del mondo, credo sia importante non perdere la capacità di sorridere. L’ironia non cancella la sofferenza, ma ci permette forse di attraversarla senza rinunciare alla gioia di vivere, al buon umore e al piacere di stare insieme.

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Ja Ma Tacu Sulawe

Ja Ma Tacu Sulawe è un brano sperimentale, ironico e rituale. Mi sono divertito molto a intrecciare ritmi etnici, sonorità elettroniche e acustiche, lasciandomi guidare dall’istinto e dal piacere di esplorare combinazioni sonore imprevedibili. Durante la composizione, quasi spontaneamente, hanno cominciato ad affiorare parole che non appartenevano ad alcuna lingua conosciuta. Le pronunciavo cercando di adattarle alla melodia, ma mentre prendevano forma avvertivo dentro di me che quelle parole, apparentemente prive di significato, stavano in realtà raccontando qualcosa.

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Iran Iran

Iran Iran nasce da un testo che ho scritto durante un lungo viaggio in Iran, diversi anni fa. Era un testo molto più lungo di quello che avrei poi cantato, parole nate dalle emozioni e dalle riflessioni raccolte attraversando quel Paese. Sono trascorsi alcuni anni prima che incontrassi la musica capace di accompagnarle. Un giorno il mio grande amico Beppe Piol mi ha fatto ascoltare un meraviglioso giro di chitarra. Ne sono rimasto immediatamente affascinato e gli ho chiesto di donarmelo. Sentivo che quelle note avrebbero potuto dare voce alle parole che custodivo da tanto tempo. Ho registrato la voce nel sud dell’India, durante un ritiro durato un mese. Mi trovavo su una bellissima terrazza affacciata sul mare, seduto a un tavolo, con davanti a me l’orizzonte e il suono delle onde che entrava inevitabilmente nella registrazione. Ho impiegato molti giorni per trovare l’interpretazione che cercavo. Volevo che il canto fosse un unico flusso, senza interruzioni, senza montaggi, senza unire frammenti registrati in momenti diversi. Oltre 7 minuti di voce, dall’inizio alla fine, in un’unica ripresa. Anche il mare è rimasto dentro quella voce. Il brano ha conservato una forma essenziale, voce e chitarra, alla quale si sono aggiunti i delicati interventi vocali di Angela Zanin, con la sua meravigliosa voce. Il corto Iran Iran nasce dalle fotografie che ho scattato a Isfahan, in Iran. Immagini di manichini incontrati durante un viaggio, tra i vicoli del mercato coperto di Isfahan, dove la loro presenza ha suscitato in me una fascinazione difficile da spiegare. C’era qualcosa in quelle figure immobili che sembrava oltrepassare il confine tra l’apparenza e la vita. I loro volti mi restituivano una presenza quasi umana, come se dietro quelle forme artificiali si nascondesse un’esistenza silenziosa. Ho continuato a fotografarli, incapace di sottrarmi a quella suggestione. Quelle fotografie hanno continuato ad abitare i miei pensieri fino a diventare il punto di partenza di questo cortometraggio. Ho cercato di dare movimento a quei volti, trasformando la loro immobilità in una presenza umana. Figure apparentemente senza identità che diventano espressione di una condizione in cui l’essere umano si trova costretto dentro forme e regole imposte. È un’opera dedicata al popolo iraniano, alla sua dignità, alla sua identità e al desiderio di libertà. Una presa di posizione contro i regimi e le ideologie totalitarie che distruggono l'umanitá.

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Honkey Donkey

Honkey Donkey è stata un’avventura incredibile. Ho iniziato a registrarlo a Rishikesh, in India, in una piccola stanza all’ultimo piano di un edificio, con una terrazza affacciata sul Gange. Trascorrevo le mattine con un sadhu , immerso in profonde meditazioni e in lunghe ore di yoga. Poi tornavo nella mia stanza e mi dedicavo alla musica, mentre le scimmie cercavano continuamente di entrare per rubarmi qualsiasi cosa fosse possibile portare via. A un certo punto mi sono accorto che il mio visto per l’India stava per scadere e ho dovuto lasciare il Paese. Sono andato in Nepal, scegliendo Bhaktapur come luogo in cui terminare il brano. Sono stati giorni di un’intensità straordinaria. Honkey Donkey mi aveva completamente assorbito. Passavo ore e ore a lavorarci, immerso in una concentrazione così profonda da perdere quasi la percezione del tempo. Ricordo che, quando finalmente sono riuscito a dirmi «Basta, hai finito», mi sono alzato, ho fumato una sigaretta e sono andato a farmi una doccia. Lì sono svenuto. Anche il testo è nato spontaneamente, mentre registravo, senza che lo avessi scritto o immaginato prima. Mi è tornata alla mente una frase in dialetto veneto che avevo sentito pronunciare da mio padre, un’espressione risalente agli anni della guerra: «Doba entrada,setimana andada,ma se no tu ha gnint da magnar ie tre di da spetar». Era una frase che raccontava la fame di quegli anni. Immagino quelle persone incontrarsi nella piazza del paese, osservare che la settimana stava già passando, ma che alla domenica mancavano ancora tre giorni. Tre giorni nei quali bisognava trovare qualcosa da mangiare.
Ho voluto trasformare quella memoria delle nostre origini in musica, intrecciandola con sonorità e culture lontane. Il cortometraggio ha preso forma in India, grazie all’incontro con Nitin Chauhan e con la straordinaria tradizione dei burattinai indiani, custodi di un sapere antico, tramandato attraverso generazioni, capaci di dare vita alle marionette attraverso il movimento delle mani e la tensione di pochi fili. Sedici artigiani, provenienti da diverse regioni del Paese, hanno realizzato ventitré marionette, i cui personaggi ho scelto ispirandomi a persone occidentali a me vicine. Tra loro compaiono anche un giovane Donald Trump e Narendra Modi, mescolati agli altri protagonisti di questa insolita rappresentazione.
Ho voluto portare le marionette fuori dal loro contesto tradizionale, facendole danzare su una musica potente, il brano omonimo,lontana dalle sonorità che da sempre accompagnano la loro arte. Tra le rovine di un antico tempio del Rajasthan ho messo in scena un incontro tra Oriente e Occidente, una danza isterica, dissacrante e grottesca, che si trasforma progressivamente in una sorta di Babele contemporanea. Le marionette si agitano in un intreccio di desiderio, potere e trasgressione, fino a scene sessuali paradossali. Una rappresentazione provocatoria delle contraddizioni umane, di un’umanità che sembra aver smarrito ogni misura, inconsapevole di consumare e distruggere le risorse della Terra da cui dipende la propria esistenza. Poi tutto si acquieta. Le marionette entrano nell’acqua, ritornando alla sostanza da cui la vita ha origine. E dall’acqua nasce un fiore di loto.

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Tous Pareils Tous Différents

Tous Pareils Tous Différents è nato da un ritmo che ho creato con un bellissimo gong, portato a casa da un luogo remoto durante uno dei miei viaggi. Da quella pulsazione ipnotica, quasi rituale, ha cominciato a svilupparsi una composizione dai tratti fortemente sperimentali, nella quale ho intrecciato sonorità acustiche ed elettroniche, lasciando che il ritmo mi guidasse verso territori sonori imprevedibili. Ho registrato il brano nel mio studio a Valdobbiadene, durante un inverno particolarmente rigido. Ricordo ancora il freddo intenso di quei giorni, le lunghe ore trascorse a lavorare sui suoni e quella sensazione di essere completamente immerso in una dimensione musicale quasi sciamanica, tra pulsazioni ossessive, suoni graffianti e improvvise aperture ironiche. Il testo attraversa tre lingue, il francese, lo spagnolo e il mio dialetto dell’Alto Veneto, trasformandosi in una sorta di scioglilingua astratto, un gioco di parole che riflette sugli automatismi dell’essere umano, sulle sue contraddizioni e sulla difficoltà di liberarsi da abitudini e comportamenti che spesso impediscono il cambiamento. Tous Pareils Tous Différents, tutti uguali, tutti differenti. Una riflessione sulla nostra comune appartenenza all’umanità e, nello stesso tempo, sull’unicità di ogni individuo.

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Mille non più

Mille non più nasce dopo un viaggio in bicicletta nei Paesi Baschi, attraverso foreste di faggi e parchi naturali. Come spesso mi accade quando mi immergo nei boschi, ho avvertito una profonda connessione con la natura, quella sensazione di appartenenza a qualcosa di immensamente più grande di noi, dove ogni forma di vita sembra partecipare a un unico respiro. Al termine del viaggio, quasi spontaneamente, sono arrivate le parole. In quel momento avevo con me soltanto un piccolo iPad, sul quale ho iniziato a costruire la base musicale utilizzando GarageBand. Successivamente, nel mio studio a Valdobbiadene, ho registrato la voce, mentre il brano è stato poi mixato a Vienna. Ho provato per diverso tempo anche insieme a Roberto Zancaner a rifare la base in studio, ma l'essenza del brano si perdeva. Lo avevo composto in quella terra,tra quelle foreste di faggi antichi. Sebbene fosse stata creata con mezzi limitatissimi rispetto a tutta la strumentazione presente nel mio studio, erano solo quelle le tracce che mi comunicavano l'emozione di quel momento. Mille non più è una lode a Madre Terra, alla sua bellezza e alla sua generosità, alla sorgente dalla quale ogni esistenza prende forma e alla quale, inevitabilmente, ritorna.

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La nascita della performance A-FRAME

Dopo lo scioglimento dei Lacrima Christi ho attraversato un periodo di circa due anni lontano dalla musica. È stato un tempo nel quale ho avvertito un grande vuoto, come se improvvisamente fosse venuta a mancare una parte fondamentale della mia vita. È stato grazie all’incontro con Roberto Zancaner che ho ricominciato a suonare, ma in un modo completamente diverso. Roberto, insieme a Sebastian Meyer, mi ha introdotto alle tecniche di registrazione e produzione musicale, aprendomi le porte di un mondo che fino a quel momento avevo soltanto immaginato.

La tecnologia mi permetteva finalmente di avere a disposizione strumenti che avevo sempre desiderato suonare, ma ai quali non avevo mai avuto accesso. Attraverso le librerie sonore potevo esplorare timbri, strumenti e possibilità espressive praticamente illimitate, costruendo personalmente ogni parte delle mie composizioni. Per me è stato un salto straordinario. Mi si sono aperti nuovi orizzonti e mi sono immerso con entusiasmo in questa nuova dimensione creativa.

Allo stesso tempo, però, non sentivo più alcun desiderio di esibirmi dal vivo. L’esperienza musicale vissuta con i Lacrima Christi apparteneva a un’altra fase della mia vita. Ero cambiato, e con me era cambiato il mio modo di concepire la musica. Desideravo esplorare altri territori, altre sonorità, soprattutto quelle elettroniche. I miei viaggi erano diventati una parte fondamentale della ricerca: raccoglievo suoni, incontri, idee, frammenti di culture e messaggi che portavo con me e che successivamente trasformavo in musica. Avevo bisogno di lavorare in solitudine, pur continuando a collaborare con musicisti ai quali mi sentivo profondamente legato. Quando è iniziata la collaborazione con Sorry Mom Records, mi è stato chiesto se avessi intenzione di tornare a esibirmi. Mi avrebbero sostenuto nell’organizzazione dei concerti. La mia risposta è stata semplicemente no.

Poi è arrivata Venezia. Da alcuni anni trascorro molto tempo in questa città straordinaria, dove artisti e persone provenienti da ogni parte del mondo continuano a incontrarsi e a intrecciare le proprie storie. Una sera ho conosciuto Mirko Brigante. Tra noi è nata immediatamente una grande sintonia. In poco tempo abbiamo cominciato a scambiarci le nostre musiche, ad ascoltarci, a raccontarci. Mirko ha apprezzato moltissimo i miei brani ed è stato lui a mettermi in contatto con Marco Biondi, al quale ho successivamente inviato il mio materiale.

Durante i nostri incontri veneziani, Mirko continuava a incoraggiarmi a tornare sul palco. Mi diceva: «Stefano, è la musica dal vivo che chiude il cerchio della creazione. È lì che possono nascere le emozioni più grandi». Io continuavo a rispondergli che non ne avevo voglia. E poi, come avrei potuto portare dal vivo composizioni costruite con cinquanta tracce, sovrapposizioni, sequenze e strumenti differenti? Erano musiche nate da momenti di creazione spontanea, catturati e successivamente elaborati in studio. Non riuscivo nemmeno a immaginare come avrei potuto riprodurle su un palco.

Ma Mirko insisteva. Un giorno ho cominciato a pensare che, se mai fossi tornato a esibirmi, non avrei voluto realizzare un concerto tradizionale, nel quale un musicista sale sul palco ed esegue una successione di brani. Volevo qualcosa di diverso. Ho iniziato a immaginare una performance nella quale la musica, le immagini e la presenza fisica potessero diventare parti di un unico racconto. Non volevo essere il protagonista della scena. Desideravo essere soltanto un elemento di un insieme più grande, una presenza che apparisse e scomparisse, intervenendo con piccoli gesti e frammenti musicali all’interno di un universo visivo e sonoro.

Quell’idea ha acceso una scintilla. Mirko l’ha accolta immediatamente, con il suo entusiasmo travolgente. Mi ha detto che mi avrebbe aiutato, che saremmo stati in due, che avrebbe gestito la parte musicale necessaria alla performance. Poi sono partito per un lungo viaggio in bicicletta in Sardegna. Come spesso accade nella mia vita, è stato proprio durante quel viaggio che l’idea ha cominciato a prendere una forma più precisa. Mi trovavo in una zona remota dell’isola quando ho trovato a terra un corno di muflone. L’ho raccolto e, quasi istintivamente, me lo sono appoggiato sulla testa. In quel gesto semplicissimo ho sentito qualcosa di profondamente mio. Sono figlio di questa Terra. Amo gli alberi, i boschi, gli animali, la natura in tutte le sue manifestazioni. Non desidero soltanto osservarla o raccontarla. Vorrei esserne parte, vorrei essere natura. È stato allora che ho immaginato un grande schermo retroproiettato, davanti al quale i nostri corpi potessero diventare sagome, figure capaci di trasformarsi e confondersi con le immagini. Io e Mirko avremmo potuto interagire con la musica e con il cinema, non come protagonisti separati, ma come presenze all’interno dello stesso racconto. Da quel momento ho cominciato a lavorare intensamente alla realizzazione della performance. Poi è accaduto qualcosa di terribile.

Mirko è morto improvvisamente per un arresto cardiaco. La sua scomparsa mi ha sconvolto profondamente. Per molto tempo sono rimasto incapace di ritrovare quella spinta creativa che avevamo condiviso. Ma lentamente è maturata dentro di me una convinzione: quella performance doveva vivere. Doveva esistere anche per Mirko, per ciò che aveva intuito, per il suo entusiasmo e per la fiducia che aveva riposto in me. Ho pensato allora a Roberto Zancaner. Negli ultimi tempi ci eravamo un po’ allontanati, ma il legame musicale e umano che avevamo costruito negli anni era ancora profondamente presente. L’ho chiamato, gli ho raccontato tutto e gli ho chiesto se desiderasse essere parte di questo progetto.

Roberto ha accettato. Con la sua sensibilità, la sua esperienza e il suo grande aiuto abbiamo dato forma alla performance A-FRAME. Un’opera nata dal desiderio di trovare un nuovo linguaggio, cresciuta attraverso l’amicizia e il viaggio, attraversata da una perdita dolorosa e infine diventata realtà. In qualche modo, Mirko continua a essere parte di questa storia.

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